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El Psicodrama en la Formación del Actor

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“Nunca se pierdan a sí mismos en escena. Actúen siempre dentro de su personalidad propia, como artistas. No pueden nunca escapar de sí mismos. El momento en que se pierden, marca el dejar de vivir verdaderamente su parte para caer en la actuación falsa y exagerada (…) Invariable, constantemente y para siempre, cuando estén ustedes en escena deben actuar siendo ustedes mismos. Pero ello será en una infinita variedad de combinaciones de objetivos y circunstancias dadas: aquellas que hayan preparado para su parte, y hayan sido fundidas en el crisol de su memoria emocional”.
Como técnica, el psicodrama puede ofrecer un espacio adecuado para el entrenamiento de actores en dos dimensiones esenciales: el conocimiento de sus propios recursos expresivos y el contacto con la dimensión emocional del trabajo de interpretación escénica.
La dinámica se desarrolla en grupo, dado que tanto el teatro como el psicodrama exigen de la relación que se da entre varios intérpretes en escena. La primera fase de esta labor consiste en lograr un nivel adecuado de confianza entre los miembros del equipo, y permitir así el surgimiento de las primeras imágenes para el juego escénico. Esto es de suma importancia, dado que los contenidos que se llevarán a la acción dramática emergen de los individuos.
En este primer momento el intérprete puede experimentar con algunos aspectos básicos de su oficio, tales como encontrar un espacio seguro para su trabajo, identificar el flujo de sus sensaciones y sus movimientos corporales, jugar libremente en sus interacciones espontáneas con los demás.
Todo ello constituye un conjunto de momentos que despiertan la sensibilidad y la atención, para luego dar paso a los temas o contenidos a ser puestos en escena. Al tener como base la acción espontánea, las escenas que empiezan a surgir forman parte del mundo subjetivo del participante: un protagonista emerge del juego escénico liberado, quien contiene las inquietudes de todos los presentes; todos se involucran pues en psicodrama la audiencia es activa y muchos tendrán la oportunidad de pasar a escena como yo auxiliares.
El contenido, las imágenes puestas en escena, son por naturaleza movilizadoras, pues de otro modo no se hubiesen hecho presentes para el trabajo. Entonces el intérprete puede experimentar la evolución de una conexión real con sus emociones y su instrumental expresivo.
Se ha solicitado al participante de esta dinámica que se plantee un objetivo de aprendizaje, una intención de desarrollo como actor, un norte concreto. De esta manera, en el desarrollo de la viviencia psicodramática, podrá enmarcar sus descubrimiento en la conciencia que tome de ese aspecto seleccionado personalmente, para impulsar un mejor desenvolvimiento en su trabajo escénico posterior.
“Toda acción en el teatro debe tener una justificación interna, y ser lógica, coherente y real. Segundo: una condición, un si, actúa como una palanca que nos levanta del mundo de la realidad a los dominios de la imaginación”.
La intención general va entretejiéndose con pequeños objetivos que aparecen a lo largo de las escenas psicodramáticas. En ellas no se le pide al actor que actúe, no se le enseña a darle forma a un personaje, únicamente se le exige que responda con espontaneidad e inmediatez a lo que está presente, que confronte los temores y desafíos que siente se le presentan en el desarrollo de su oficio, que se exponga a trabajar con sus contenidos íntimos.
De modo que esta vía no debe permitir los clichés o formas pre elaboradas. Aunque muchas veces estas se presentan, es de importancia extrema identificar estas expresiones y eludirlas, hasta encontrar la respuesta que generalmente se esconde detrás.
“La falsa animación de pasiones, o la caracterización de tipos, o el mero uso de actitudes y gestos convencionales, todo esto son errores frecuentes en nuestra profesión”.
Uno de los elementos que sostiene esta dinámica es la clara percepción de que la vida humana está constituida por escenas, algunas de las cuáles se desarrollan en el interior de los individuos, mientras otras se manifiestan en interacción con otros y su entorno. Otro aspecto esencial es la idea de que en esas escenas, a lo largo de la vida, se interpretan distintos roles, que se adaptan a la ocasión de acuerdo a múltiples expectativas.
Esto significa que en casa individuo existe el potencial para interpretar o actuar infinidad de roles o personajes, en una suerte de combinación infinita de sus propias posibilidades expresivas, modos de percibir y sentir, formas de procesar estímulos y ofrecer respuesta a ellos. Desde esta perspectiva el psicodrama apoya entonces el contacto consciente con este instrumental, ofrece al actor la posibilidad de contactar, mirar y dilucidar su proceso creativo en escena, el modo que en utiliza aquello sobre lo cual tiene cierto control para crear personajes y desarrollar acciones dramáticas.
No se puede crear siempre subconscientemente y sólo por inspiración. No existe tal genio en el mundo. Es por eso que nuestro arte nos enseña primero que nada a crear consciente y deliberadamente, porque esto constituye la preparación mejor para el florecimiento del subconsciente, que es inspiración. Mientras más sean los momentos de creación consciente en una parte o en un rol, mayor ocasión habrá para que fluya la inspiración”.
El objetivo o las preguntas iniciales, las situaciones concretas que se plantean en escena, las imágenes puestas en juego en la acción dramática, todas permiten el uso consciente y deliberado de una parte del material y las cualidades creativas del actor; simultáneamente, se presentarán reacciones inesperadas, situaciones no pensadas con anticipación, movimiento emocional de distinto nivel, imágenes incomprensibles, movimientos no deliberados. Cuando esto último se manifiesta, el grupo se encontrará durante ese tiempo explorando un nuevo territorio.
Las situaciones permitirán comprender diversas dimensiones del oficio de la actuación: la importancia de las circunstancias dadas, la coherencia interna sostenida en la escena, la entrega y la credibilidad en el desarrollo de la acción, entre otras. Las preguntas y objetivos iniciales funcionan como disparadores. Si el actor se ha planteado mejorar su expresión corporal, en escena aparecerá la oportunidad de dialogar e interactuar con el cuerpo posible, el cuerpo imaginado, el cuerpo proyectado y particularmente con el cuerpo en tensión o convertido en un obstáculo para la expresión. Quizás el intérprete escénico ha manifestado que su interés es trabajar sobre el uso de su imaginación en la escena, entonces es posible indagar sobre el mecanismo de la imagen en la acción dramática, y la forma particular en que ella puede abordarse de acuerdo a formas específicas de expresión. Las posibilidades son infinitas.
Por otra parte, existe un sustrato personal e íntimo que también es abordado, que se ubica en un espacio próximo al trabajo sobre la memoria emocional. Sensaciones, ideas y emociones constituyen una tríada esencial para la investigación del trabajo de actuación; por ello en el juego psicodramático aplicado con estos fines se indaga sobre la forma en que cada uno de estos aspectos se moviliza en el momento de la interpretación escénica.
Se despierta y desarrolla así la sensibilidad del actor. El protagonista en psicodrama evoca las imágenes o situación a poner en escena, reproduce el espacio y lo recrea en el presente, luego ingresa a él y las sensaciones se presenta nuevamente, actualizadas; al desarrollarse la escena, las emociones también emergerán de modo natural. De este modo, el protagonista y los yo auxiliares estarán cumpliendo sus roles de forma integral, sin dudas, totalmente sumergidos en la acción dramática. Se despierta así la creatividad, se permite la espontaneidad, se recupera la natural vida y frescura de la escena.
“Un gran actor debería estar completamente dotado de sensibilidad, y debería, especialmente, sentir lo que interpreta. Debe sentir la emoción no solamente una y otra vez mientras estudia su parte, sino en mayor o menor grado cada vez que actúa, no importa que sea esa la primera o la milésima vez. Desgraciadamente, esto no está dentro de nuestro control. Nuestro subconsciente es inaccesible a nuestra conciencia. No podemos penetrar en ese dominio. Si por algún motivo penetramos en él, entonces el subconsciente se torna consciente y muere”.
Planteado de este modo, se utilizan las técnicas del psicodrama no para que el actor haga consciente lo inconsciente, lo cual no tiene ningún sentido artístico; se trabaja más bien tentando a la naturaleza, evocando sensaciones y emociones, provocando el momento de inspiración en que la creación real se haga presente. Se trabaja directamente con aquello que puede manejarse: las circunstancias en las cuáles se produjo tal o cual escena, la forma en que una imagen puede llevarse a la acción, los estímulos que pueden reconocerse para reproducirlos. Todos los contenidos se actualizan y luego se deja que los mecanismos internos hagan su trabajo intentando no interferir en ello. Se espera así la emergencia del momento creativo.
“En el alma humana hay ciertos elementos sujetos a la conciencia y a la voluntad. Estos, que son accesibles, son también aptos, a su vez, para actuar en un proceso psíquico que es involuntario.
Seguramente, esto precisa una labor de creación en extremo complicada, que es conducida, en parte, bajo el control de la conciencia, pero que, en otra parte mucho mayor, es subconsciente e involuntaria”.
Este diálogo complejo entre contenidos e impulsos que no pueden controlarse y que provienen de las profundidades del mundo interior, con aquellos aspectos que pueden abordarse de forma consciente y concreta, es la dinámica que puede impulsarse, entre otros medios, a través del psicodrama. Dicho de otro modo: el psicodrama viene a ser una técnica complementaria para cumplir con el fin de reconocer un camino creativo factible y una forma específica para convocar a las fuerzas de la inspiración.
A medida que el trabajo avanza a lo largo de las sesiones, los participantes van cediendo espacio y soltando parte de sus resistencias, de modo que aparecen en escena aquellos contenidos más íntimos, desafiantes, temidos o de difícil manejo. Así se les permite observar y reconocer eso que limita su trabajo escénico, y aquello que lo impulsa.
Para despertar el subconsciente a la labor creadora hay una técnica especial. Debe dejarse todo lo que es, en el más amplio sentido, subconsciente a la naturaleza, y dirigirnos por nosotros mismos a aquello que está en los límites de nuestro alcance. Cuando el subconsciente, cuando la intuición entran en nuestra labor, debemos saber cómo no interferirla.
Entiéndase que el objetivo no es, aunque ello ocurra, traer a escena situaciones personales, revelar secretos o intentar solucionar algún conflicto íntimo, dado que en este contexto el psicodrama está puesto en función de complementar la formación de actores. Es por ello que aquí el psicodrama, como complemento al entrenamiento del actor, es utilizado de modo amplio, para abordar contenidos a través de símbolos, indirecciones, proponiendo respuestas a desafíos concretos que se presentan en la acción dramática.
“Si ustedes toman estos procesos internos y los adaptan a la vida espiritual y física de la persona que representan, podemos decir que viven su parte. Esto es de suma importancia en la labor creadora. Además del hecho de que abre vías a la inspiración, vivir la parte ayuda al actor a alcanzar uno de sus principales objetivos. Su tarea no es representar meramente la vida externa de un personaje. Debe adaptar sus propias cualidades humanas a la vida de esa otra persona y poner en ello toda su propia alma”.
Si se es riguroso en el trabajo de cada sesión, el actor participante del juego psicodramático se aproximará a un mejor conocimiento de sus propios modos de abordaje del personaje, de la acción escénica y del proceso creativo. Como gran objetivo general el psicodrama busca impulsar la espontaneidad, dicho de otro modo, liberar el potencial creativo que todo individuo posee.
Finalmente es importante recordar que el psicodrama no enseña a actuar, se trata de un camino para sensibilizar hacia el trabajo escénico, reconocer los propios impulsos, abrir procesos hacia el conocimiento del sí mismo, contactar con modos de sentir y de expresar, integrar cuerpo, emoción y pensamiento en la acción. Todo ello tiene alto interés para el actor.
Esta técnica no sustituye otras áreas de entrenamiento fundamentales: la educación de su voz, el desarrollo de su expresión corporal, el abordaje del texto, el proceso de creación del personaje. Sin embargo, ofrece al actor la oportunidad de tener una visión clara del funcionamiento orgánico de su instrumental creativo y expresivo.
Todas las citas de este texto son de Constantin Stanislavski, de su libro Un Actor se Prepara.
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Expresión, Creatividad y Psicodrama III (Una experiencia con actores en formación)

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En diciembre de 2009, año que está por terminar, culminaron los talleres de psicodrama que he venido guiando en el Centro Integral de Capacitación Actoral (CICA). De agosto a diciembre estuve trabajando con tres grupos, con el propósito general de facilitar una dinámica conducente a que los participantes tomaran mayor conciencia sobre sus formas expresivas, encontraran vías para ser más espontáneos y creativos en su trabajo escénico, lo que por supuesto tiene además un impacto en sus modos de relación con otros.
Una sesión semanal, dos a tres horas en cada encuentro, tiempo dedicado a explorar posibilidades a través del psicodrama. Lo primero que propuse, siguiendo mi particular esquema de trabajo, es que cada integrante del curso planteara un objetivo de trabajo personal. La mayor parte de ellos tuvieron relación con: «lograr una mayor conexión emocional», «aumentar la flexibilidad», «alcanzar la relajación en escena», «fluir en mis expresiones», «atreverme a tomar mayores riesgos», «trabajar en mejorar mis niveles de concentración», entre otros; todos ellos son ejemplos de lo que puede abordarse con las técnicas del psicodrama, cuando se utilizan con fines concretos de entrenamiento y aprendizaje.
A partir de estas búsquedas personales, que fueron siempre anclas o puntos de referencia para los trabajos escénicos, cada grupo estableció líneas temáticas, desafíos y posibilidades diferentes:
– En primer lugar estuvo presente EL JUEGO, como vía de aprendizaje y forma de reconocer patrones establecidos que impiden un mayor grado de espontaneidad y creatividad. En uno de los grupos esta fue una constante, con la añadidura de continuas referencias a la niñez y a las dinámicas que se generan en las celebraciones infantiles, los intercambios en carreras o búsquedas como en «el escondite» o «la ere». Esos juegos los colocaron en modos específicos de estar y compartir que hacían evidentes sus tendencias a: respetar o romper las reglas, divertirse o jugar con rigidez, entregarse al juego o calcular resultados, compartir o competir, imaginar posibilidades o producir aburrimiento.
El desarrollo del juego, el movimiento sostenido de esta energía de niños en uno de los grupos, llevó a contactar con algunos aspectos esenciales del vivir: aparecieron escenas relacionadas a la experiencia de la sensualidad, la vergüenza, el contacto con el cuerpo en movimiento para conectar mi atención y la de otros, y finalmente al movimiento y la voz como formas de compartir sensaciones, sin buscar ninguna elaboración intelectual.
Todos estos aspectos, como podrá notarse, están íntimamente ligados tanto a los objetivos particulares propuestos, como a un primer nivel de trabajo sobre el arte de la actuación.
– Algunas sesiones fueron dedicadas a explorar las creencias y expectativas que sobre la actuación tenían los participantes. Esto sirvió, desde mi perspectiva, para liberar algunas tensiones, expresar descontento con ciertos aspectos del funcionamiento actual del teatro y la televisión en el país, así como para plantear sueños y visiones sobre su futuro en este oficio.
– También tuvimos la oportunidad en dos de los tres grupos de pasar por distintas etapas de la vida: de la infancia pasamos a la adolescencia y luego a la vida adulta, con todo lo que ello implica en términos de responsabilidades, de búsqueda de solidez económica, de claridad en la forma en que se ejerce un oficio y se lleva la vida productiva y familiar. A través de estos recorridos dimos con otros temas relacionados, como la continuidad o ruptura con las tradicionales prácticas familiares, la apuesta por riesgos personales ante la necesidad de hacer un camino propio de vida y la superación de desafíos profundos y significativos en lo referente a lo laboral, lo económico, lo relacional y la salud. Es difícil manifestar con palabras lo que se estuvo moviendo en esta zona de trabajo, porque se plantearon retos y riesgos personales de mucha profundidad, se tocaron tensiones y cristalizaciones que han producido mucho dolor en quienes las han experimentado, se abrió allí, en algunas de las sesiones, lo más humano en todos los presentes.
A través de esta exploración por las distintas etapas de la vida, pudimos contactar toda una gama de emociones vinculadas a esa paradoja humana que es una existencia cargada de dolor que se hace por ello con un sentido profundo y real, volviéndose una manifestación hermosa de nuestra condición, despertándose la compasión en los presentes.
Desde mi perspectiva, esto ofrece la oportunidad de encontrar un sentido mayor al oficio y arte de la interpretación escénica. Aunque no siempre se alcance o logre conectar este sentido, la opción está allí generada por la experiencia compartida en la improvisación y el juego de roles.
– El cuarto elemento que fue abordado en estos cursos de psicodrama fue la conexión y movimiento emocional, de dos maneras sencillas: a través del cuerpo y en la relación con otros. Esta además es un área de importante aprendizaje para mí, pues me exige apertura y relajación física, contacto genuino y disposición al encuentro.
Si uno de los actores o actrices del grupo manifestaba un bloqueo emocional, lo más sencillo era llevarlo a establecer una relación con su cuerpo: respirar, ubicar sus sensaciones de forma clara y específica, dejar que el cuerpo se moviera en relación con esas sensaciones. Entonces la emergencia de la emoción, cuando está presente, es inevitable.
Otro camino consistía en el contacto con algún compañero de trabajo. Una mirada, algún toque con las manos u otras partes del cuerpo, una frase dicha de forma directa y expresando algo sencillo (los rebuscamientos y las formas adornadas no sirven para nada en estos casos), eran acciones con la suficiente fuerza para abrir la conexión real entre dos individuos, y entre cada uno de ellos y su dimensión emocional.
No es necesario que añada mucho más sobre la importancia que este trabajo tiene para el oficio del actor.
– Todavía creo reconocer en la última etapa del trabajo algunos temas más que aparecieron en la dinámica de todos los grupos. Las preguntas sobre el futuro fueron inevitables en las sesiones finales, y con ellas la nostalgia, la conciencia de muerte (con su ansiedad y temor) y la incertidumbre hicieron su entrada.
Apareció la necesidad de despedirse, de plantearse próximos pasos, pero sobre todo de limpiar los espacios presentes, acomodar la casa de hoy como punto de partida. Fue curioso para mí observar como en este nivel del proceso se manifestaron dos fenómenos: por una parte las escenas se hicieron más abstractas, aumentando la presencia de símbolos y alejándose más de la literal representación de situaciones cotidianas, se trataron más situaciones internas que se hacían presentes, se desarrollaban y culminaban sin lógica aunque con sentido; por otro lado, aparecieron elementos que se alejaban de lo individual (sin obviarlo) y se acercaban más a temas culturales y colectivos. Como ejemplo de este último fenómeno puedo citar sesiones donde trabajamos el sentido de la Navidad, o abordamos imágenes relativas al abuso de poder y la tortura, desarrollamos escenas sobre la despersonalización del trabajo en grandes corporaciones, el consumo o la tensión entre expectativas sociales y definición de un modo más genuino y personal de vida, entre otros.
CREO IMPORTANTE registrar, finalmente, que todo este proceso no se dio sin resistencias.  Todo ello fue acompañado de tensiones producidas por el miedo a la apertura emocional, cierta tendencia a superficializar el trabajo (tanto el psicodramático como el actoral), dificultades para encontrar un objetivo individual, evasión de ciertos temas que podían afectar creencias personales o la imagen frente a los otros integrantes del grupo, por sólo mencionar algunos. Nada de lo mencionado como tema o línea de trabajo fue inducido, sin embargo, sino que emergió espontáneamente a lo largo de las sesiones, como parte de un proceso compartido con mayor o menor conciencia por los integrantes de cada grupo.
Estas dificultades, que señalo sólo como un hecho y con profundo respeto, unidas a mis propias resistencias y puntos ciegos como facilitador del proceso, me permiten entender lo desafiante de este tipo de trabajo, ubicado en un punto intermedio y delicado, donde el objetivo es facilitar un conjunto de experiencias que sean de utilidad al actor, quien inevitablemente está llamado a conocerse, recorrerse y contactarse; es importante no perder de vista que esta labor no es un fin en sí misma, sino un medio, una técnica para un objetivo mayor, de alto nivel de exigencia: la actuación.
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Respiración y Relajación

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Una de las búsquedas frecuentes que he visto realizan en este Blog es acerca de cómo respirar, y cuál es la relación de ello con el estado de relajación más adecuado para el orador o el hablante. Por eso dedicaré estas líneas a realizar algunos comentarios al respecto.
En primer lugar, cuando nos comunicamos oralmente, se requiere cierto balance entre relajación y atención si nuestra intención es hacerlo de forma eficiente y en conexión con aquello que realmente queremos expresar. Vale decir que estados de relajación excesivos pueden ser tan contraproducentes como los de tensión sostenida.
Por supuesto hay una relación directa entre la respiración y este estado de balance físico para la comunicación oral. El acto de respirar concientemente, de abrir el cuerpo para recibir el oxíeno que ingresa a través de la inhalación, produce una apertura que nos conecta inmediatamente con nuestro cuerpo. Sin siquiera buscar o pensar en relajarnos, instantáneamente el cuerpo empieza a equilibrarse a través de la acción de inhalar y exhalar.
Ya he comentado en otros artículos que la respiración contiene tres momentos importantes: la inhalación, el sostener el aire dentro de nosotros y la exhalación. Cada uno de ellos corresponde a un momento distinto en el cual el cuerpo procesa y metaboliza cualquier estímulo (incluyendo las tensiones físicas) liberándose y equilibrándose.
En la inhalación percibimos los estímulos interno y externos, al sostener procesamos o metabolizamos lo que esté presente, al exhalar soltamos lo que sea necesario soltar (toximas en el cuerpo, información, movimiento emocional, tensiones, etc).
Con respecto a cuál es la manera adecuada de respirar, siempre dependerá de la acción que se esté desarrollando o la intención con la cual se respire. Prácticas como el Yoga generalmente requieren una respiración completamente nasal. Sin embargo, si de hablar se trata, lo que he aprendido es a inhalar por la nariz y exhalar por la boca, relajando la garganta y la musculatura de la mandíbula.
Por otra parte, me ha funcionado mucho trabajar con el objetivo de hacer respirar todo el cuerpo, llevando el aire lo más profundo posible hacia abajo (espalda, abdomen, pelvis), y luego exhalando relajadamente. Ambos movimientos son inevitables, así que pueden ser realizados, aunque con intención, soltando el cuerpo. En este sentido también siento que es importante combinar respiraciones profundas, donde yo impulso tomar, contener y liberar mayor cantidad de aire, con respiraciones donde se permita que sea el propio cuerpo quien determine ritmo y profundidad.
Todo esto se puede combinar con aquellos ejercicios que mejor funcionen a cada individuo, lo cual suele variar por las características particulares de cada sujeto. Usar la imaginación para relajarse por ejemplo, puede realizarse de distintas formas: de pie, mirando un punto fijo en el espacio y proyectando el aire en distintas direcciones, dándole color o textura al mismo; sentados con los ojos cerrados dejándose llevar por alguna imagen tranquilizadora. Igualmente, alguien con cierto entrenamiento puede relajarse en minutos o incluso segundos antes de realizar su intervención, otras personas requerirán un tiempo mayor para acondicionarse antes de realizar el acto de comunicación.
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Expresión, Creatividad y Psicodrama II

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En la práctica privada, durante las sesiones de Coaching, he utilizado técnicas psicodramáticas para abordar situaciones que el cliente identifica como amenazas en sus procesos de comunicación, personas y espacios concretos que coartan su expresividad y por lo tanto entorpecen la manifestación de sus ideas, emociones o visiones respecto a una situación determinada.

Dedico gran parte del trabajo a identificar, desde distintos niveles, aquello que limita o bloquea la comunicación del individuo de distintos modos, teniendo presente la perspectiva de que lo que ocurre afuera también está ocurriendo adentro. Así podemos ver las escenas e interrelaciones del cliente como reflejo de un entramado de personajes que coexisten en su interior. Esta es una forma de aproximación eminentemente psicodramática.

Un cliente puede tener como objetivo de trabajo lograr mayor impacto en su ámbito laboral, así que empezamos a idenificar qué ocurre en sus interacciones y sus recorridos por el trabajo que evitan que esa intención se realice; dicho de otro modo, nos interesa identificar qué puede hacerse diferente o en qué situaciones está presentándose un desafío mayor para poder reconocer formas de actuación que no están produciendo los resultados esperados.

Podemos entonces, en la sala de trabajo, crear la escena específica donde se manifestó el bloqueo, en la cual se frustró el objetivo de mayor impacto. Entrar en esa situación, utilizando cualquier espacio para recrear la situación seleccionada, permite abrir un espacio para la experimentación de nuevas posibilidades, habiendo reconocido primero lo que ha ocurrido en la «realidad».

Esta realidad creada en el ahora que es la escena, es reconocida por una parte del individuo como totalmente verdadera, de modo que los cambios que ejerza allí tendrán efecto en su vida fuera del espacio de asesoría. Se integran con facilidad las dinámicas del psicodrama: el juego y cambio de roles, los soliloquios, los doblajes (que generalmente hago en mi papel de asesor), todo ello permite que el cliente reciba información de utilidad para sus interacciones.

Se hace indispensable que el cliente perciba, además de sus pensamientos, sus sensaciones físicas, sus reacciones corporales (hasta las minúsculas), el surgimiento de emociones (incluso las sutiles), las inflexiones de su propia voz en esa situación, y todo lo que se manifiesta en un ámbito no del todo conciente pero que en la escena puede ser explorado en detalle.

Este registro de sensaciones, emociones, pensamientos y acciones es lo que permite elaborar y trabajar en la situación, y a través de ella abordar los aspectos intrasubjetivos que están bloqueando o impidiendo el flujo de la comunicación.

La experiencia me ha venido mostrando que el arte de la comunicación presencial e interpersonal requiere del autoconocimiento, como eje fundamental del proceso de aprender nuevas formas expresivas; además este es un ámbito en el cuál sólo pueden generarse cambios o integrarse técnicas a través de la práctica activa, por medio del involucramiento total del individuo en una situación desafiante de interacción con otros.

Este trabajo escénico, a través de técnicas del psicodrama, permite un aprendizaje más completo, que incluye todas las dimensiones de una persona. Por otro lado, es concebido como un lugar y práctica de entrenamiento constante, para generar cambios paulatinos e irlos probando a medida que suceden, en un ambiente seguro.

Todo esta dinámica es aplicable a cualquier ámbito de la vida (laboral, personal, familiar) y a múliples objetivos vinculados a la comunicación presencial e interpersonal. Estos son algunos de los objetivos que me plantean mis clientes: ser más flexible en mi comunicación con otros; ejercer mi capacidad de liderazgo; expresarme con más seguridad; desarrollar fortaleza en mi expresión; ser más asertivo y menos directivo en ocasiones; ser más conciliador; entre muchos otros. Ello puede hacerse presente en el espacio laboral, personal familiar, personal íntimo.

Para todo ello, el trabajo escénico ofrece posibilidades infinitas. Tener la experiencia, involucrar cuerpo y emociones a la labor racional es una importante clave para aprender y avanzar. Después de todo, se trata de comunicación y expresión.

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Elogio a la Lentitud

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Carl Honore Elogia la Lentitud (Más información en el Web Site TED)

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Expresión, Creatividad y Psicodrama I

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Inicio con este texto una serie de artículos dedicados al tema de la creatividad en la expresión, y el psicodrama como técnica para su desarrollo.

Actualmente estoy trabajando con diversos grupos, en contextos diferentes, centrado en el impulso a la expresión creativa y espontánea, utilizando para ello diversas formas de improvisación escénica, con el psicodrama como núcleo del trabajo que venimos desarrollando.

Lo más básico en esta línea de trabajo, es que el surgimiento de la creatividad está vinculada a estados de profunda conexión interna, que sólo se producen si existe el adecuado estado de concentración y relajación.

El principal obstáculo que enfrentamos entonces es aquello que nos resta espontaneidad: la mente racional, los cálculos lógicos que generalmente hacemos para conducirnos de forma adecuada en nuestra cotidianidad, la ansiedad por anticiparnos a lo desconocido y mantener todo bajo control. Todo ello se traduce en fuertes tensiones emocionales y corporales.

En mi experiencia la primera etapa es observar, percibir o contactar con esas tensiones, esas dificultades para expresarme. Es un momento del trabajo en el cual me doy cuenta de cómo se manifiesta el obstáculo, de qué manera lo percibo (sensaciones físicas, movimiento interno, ideas repetitivas) y cuál es mi reacción habitual ante eso.

Esta información acerca de la manera en que el bloqueo a mi expresión espontánea y creativa se manifiesta, me permitirá ubicar o determinar un objetivo de trabajo y tener información suficiente para el desarrollo de la exploración posterior. No se trata necesariamente de plantearnos superar esos bloqueos o resolver las dificultades, tampoco es necesario entender por qué se presentan esas dificultades, lo relevante es percibir o sentir lo que pasa, cómo pasa y cuál es su dinámica.

Al tener la experiencia de las tensiones que aparecen cuando inicio una acción creativa, cuando me abro a percibir el mundo y a establecer contacto con otras personas, en otras palabras cuando tomo el riesgo de la comunicación, vislumbro mejor la forma en que mis recursos expresivos se encuentran disminuidos y limitados.

En la escena psicodramática esta primera etapa es la de jugar y mover las situaciones que hacen referencia a esa dificultad expresiva, indagar en la acción sobre aquello que me ocurre con situaciones concretas, de modo que pueda reconocerlo con claridad cada vez que se manifieste. Dicho de otro modo: se trata de generar la identificación y la confrontación con aquello que no me permite manifestar mi potencial creativo y mi espontaneidad.

La intención no es comprender o explicar lo que ocurre, sino tener la experiencia de eso que es incertidumbre para mí: el potencial de la nueva respuesta a la situación habitual, las posibilidades de acciones diferentes a las situaciones de siempre. Todo ello debe percibirse claramente en las sensaciones físicas, el cuerpo es el mejor instrumento de registro.

Si se suprime el afán por resolver, comprender, analizar o explicar lo que sucede, entonces existe la posibilidad de encontrar vías de abordar lo que se esté trabajando en el momento. La tensión o limitación a la espontaneidad y la creatividad, que es nuestro primer elemento de trabajo, cobra nueva vida y provoca el acceso a recursos expresivos más profundos, al manifestarse en escena de múltiples formas y mostrar por sí misma matices insospechados.

Aparecen así imágenes, personajes, situaciones fuera de lo habitual, todo lo que permite hacer metáforas y colocar la atención en otro ámbito: es el uso de la imaginación dinámica para crear nuevas posibilidades de comunicación conmigo y con otros.

El juego escénico es el que permite y facilita este proceso, y la técnica del psicodrama ofrece posibilidades para experimentar con todos los sentidos y las emociones disponibles eso que vivimos como tensión. Habiéndolo reconocido con el cuerpo, empieza entonces el recorrido hacia nuevas e inesperadas maneras de expresión, pero eso es ya la siguiente etapa del proceso.

Intentaré luego publicar algunos ejemplos de este trabajo antes de pasar a contar como se desarrolla la segunda fase.

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Trabajar sobre una expresión libre y espontánea

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La capacidad de expresarnos libre y espontáneamente, así como tener una comunicación fluida con los otros en nuestra vida, está vinculado estrechamente a mis niveles de apertura, conexión con las experiencias del interior y del exterior.

Mi actos de comunicación podrían constituir movimientos de verdadero contacto real y con sentido, en relación conmigo y con otros. ¿Cómo se observa y se percibe este suceso y estado de conexión? Se trata de una experiencia particular (propia de cada individuo), pero es posible que se reconozcan ciertos aspectos comunes a todos: coherencia y balance en la expresión, claridad y fluidez en el transcurrir de la interacción.

«Libre y espontáneamente» no significa entonces fuera de control o con emocionalidad desmedida, se trata de lo opuesto, de conciencia y justa medida, de adaptabilidad dinámica a mis propias necesidades expresivas, las circunstancias, el contexto y el estado de las personas a las cuáles me estoy dirigiendo. Se entiende aquí esto no como represión sino como contención, es un arte similar al del chef: todos los ingredientes en el desarrollo del plato son colocados en el momento adecuado, en la medida correcta para producir un determinado sabor.

Así voy conduciendo los ingredientes de mi particular expresión: emociones, ideas, sensaciones, que van emergiendo como movimiento corporal, gestos, voz (con sus tonos y ritmos).

Por eso considero que la primera etapa para el desarrollo de nuestra expresividad es el autoconocimiento. Oradores, profesores, expositores, conferencistas, intérpretes, actores, y todo aquel que se dirija a otros con su voz, su cuerpo y sus palabras, requiere en primer término tener un ato grado de conciencia de sí mismo.

Si esto se asume como tarea primordial, entonces será posible el aprendizaje y desarrollo de una técnica real para el trabajo expresivo. Ese conjunto de técnicas expresivas se convertirían con el paso del tiempo en una segunda naturaleza, logrando así lo que todo orador, presentador, actor o cantante quiere: fluidez y espontaneidad.

La labor de desarrollo de la expresividad y la espontaneidad exige el desarrollo de nuevos hábitos, sugiero algunas acciones sencillas y concretas que pueden apoyar el proceso de autoconocimiento y de desarrollo de esa segunda naturaleza:

– Llevar un registro personal de experiencias cotidianas de interacción con otros: encuentros, conversaciones, negociaciones, desafíos en la expresión, etc.
– Mantener algún tipo de rutina de ejercicio o actividad física, para fortalecer el vínculo y la conciencia del cuerpo, así como desarrollar mayor capacidad expresiva.
– Realizar hasta las más pequeñas acciones cotidianas (levantarme de la cama, asearme, entre otras) colocando en ellas un mayor grado de atención y ocasionalmente cambiando el orden en que las realizamos, el ritmo o colocándols alguna intención adicional.
– Mantener un plan de lectura y fortalecer este hábito. Cotidianamente leer algún fragmento de cualquier libro o del dierio en alta voz.
– Memorizar en lapsos de tiempo determinados de acuerdo a mi nivel de actividad (uno a la semana o al mes) algún texto de mi agrado: poema, pasaje de una novela, monólogo de un personaje.
– Meditar, orar o realizar algún tipo de actividad similar para fortalecer mi vínculo interno con aquello que nos es desconocido o difícil de racionalizar.

Este conjunto de actividades, a las que pueden sumarse otras que seguramente el lector a estará imaginando, constituyen una plataforma concreta sobre la cual desarrollar capacidades de expresión y comunicación: la escucha, el ritmo adecuado para nuestras interacciones, el uso de la voz y la gestual, el abordaje del idioma, etc.

Sin una base en nuevos hábitos y una conciencia abierta y despierta en las interacciones cotidianas, sin cierto grado de conocimiento sobre mis propias características y cualidades para la comunicación presencial, los cambios que se intenten hacer en los aspectos técnicos de la expresión personal tendrán sólo un efecto pasajero, mientras que lo que estamos buscando son cambios permanentes, mayor apertura y naturalidad, en una frase: la expansión profunda de nuestra expresividad.

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El Gran Dictador (Charles Chaplin)

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El «Gran Dictador» es una película escrita y dirigida por Charles Chaplin, estrenada en Estados Unidos en 1940, justo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial. Este discurso final es un llamado célebre de Chaplin a la libertad, antes de haber ocurrido los mayores desmanes del Estado Nazi y mucho antes de conocerse los abusos, las torturas y muertes ocurridas en los campos de concentración. Chaplin, intuitivo y creador excepcional, nos dejó estas palabras en el film.

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Educación y Creatividad

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Este video contiene la intervención de Sir Ken Robinson, en las TED Conferences (Technology, Entertainment, Design), en la cual habla de la relación entre educación y creatividad, y nos alerta de la importancia de cambiar nuestros paradigmas al respecto. Excelente ejemplo de uso del humor y de la precisión en el discurso, con pertinencia en el contenido.